54 знаменитых картины известных художников

Быть известным художником при жизни - не гарантия, что другие художники будут помнить вас. Вы слышали о французском художнике Эрнесте Мейсонье?

Он был современником Эдуарда Мане и был гораздо более успешным художником с точки зрения признания критиков и продаж. Обратное также верно в отношении Винсента Ван Гога. Ван Гог полагался на своего брата Тео, чтобы тот обеспечил его красками и холстами, но сегодня его картины продаются по рекордным ценам всякий раз, когда они выставляются на художественном аукционе, а его имя стало нарицательным.

Глядя на известные картины прошлого и настоящего, вы можете многому научиться, в том числе составу и работе с краской. Хотя, вероятно, самый важный урок заключается в том, что в конечном итоге вы должны рисовать для себя, а не для рынка или потомков.

«Ночной дозор» - Рембрандт

Картина «Ночной дозор». Рембрандт находится в Рейксмузеум в Амстердаме. Как видно на фото, это огромная картина: 363х437см (143х172 ").

Рембрандт закончил его в 1642 году. Его настоящее название - «Компания Франса Баннинга Кока и Виллема ван Рюйтенберча», но оно больше известно как Ночной дозор. (Рота охраняет милицию).

Композиция картины сильно отличалась для того периода. Вместо того, чтобы показывать фигуры аккуратно, упорядоченно, где всем было уделено одинаковое внимание и пространство на холсте, Рембрандт изобразил их как занятую группу в действии.

Примерно в 1715 году на «Ночном дозоре» был нарисован щит с именами 18 человек, но только некоторые из имен были идентифицированы. (Так что помните, если вы рисуете групповой портрет: нарисуйте диаграмму на обратной стороне, чтобы она соответствовала именам всех, так поколения узнают!) В марте 2009 года голландский историк Бас Дудок ван Хеель наконец разгадал тайну того, кто есть кто в картина. Его исследование даже обнаружило предметы одежды и аксессуары, изображенные в «Ночном дозоре», упомянутые в описи фамильные поместья, которые он затем сопоставил с возрастом различных ополченцев в 1642 году, когда картина была завершенный.

Дудок ван Хеель также обнаружил, что в зале, где впервые был повешен «Ночной дозор» Рембрандта, было шесть групп портреты ополченцев изначально выставлялись непрерывной серией, а не шестью отдельными картинами, как это было давно. мысль. Скорее, шесть групповых портретов Рембрандта, Пикеноя, Баккера, Ван дер Хелста, Ван Сандрарта и Флинка образовали непрерывный фриз, совпадающий друг с другом и закрепленный на деревянных панелях комнаты. Или это было намерением. «Ночной дозор» Рембрандта не сочетается с другими картинами ни по композиции, ни по цвету. Похоже, Рембрандт не соблюдал условия своего поручения. Но тогда, если бы он был, у нас никогда бы не было этого разительно другого группового портрета 17-го века.

«Заяц» - Альбрехт Дюрер

Обычно называемый кроликом Дюрера, официальное название этой картины называет его зайцем. Картина находится в постоянной коллекции Коллекция Batliner принадлежащий Музей Альбертина в Вене, Австрия.

Он был написан акварелью и гуашью, а белые блики были выполнены гуашью (а не на неокрашенной белой бумаге).

Это яркий пример того, как можно красить мех. Чтобы подражать этому, подход, который вы выберете, зависит от вашего терпения. Если у вас есть куча, вы будете рисовать тонкой кистью, по волосам за раз. В противном случае используйте технику сухой кисти или разделите волоски на щетке. Терпение и выносливость необходимы. Слишком быстро работайте с влажной краской, и отдельные мазки могут растаять. Не продолжайте достаточно долго, и мех будет казаться потрепанным.

Потолочная фреска Сикстинской капеллы - Микеланджело

Картина Микеланджело потолка Сикстинской капеллы - одна из самых известных фресок в мире.

Сикстинская капелла - большая часовня в Апостольском дворце, официальная резиденция Папы (лидера католической церкви) в Ватикане. В нем много фресок, написанных одними из самых известных имен эпохи Возрождения, в том числе настенные фрески Бернини и Рафаэля, но наиболее известны фрески на потолке Микеланджело.

Микеланджело родился 6 марта 1475 года и умер 18 февраля 1564 года. По заказу Папы Юлия II Микеланджело работал надпотолок Сикстинской капеллы с мая 1508 г. по октябрь 1512 г. (с сентября 1510 г. по август 1511 г. работы не велись). Часовня была открыта 1 ноября 1512 года, в праздник Всех Святых.

Часовня составляет 40,23 метра в длину, 13,40 метра в ширину, а потолок на высоте 20,70 метра над землей в самой высокой точке.¹. Микеланджело написал серию библейских сцен, пророков и предков Христа, а также trompe l'oeil или архитектурные элементы. Основная часть потолка изображает истории из рассказов книги Бытия, включая создание человечества, грехопадение человека от благодати, потоп и Ной.

Потолок Сикстинской капеллы: деталь

Панно, изображающее творение человека, вероятно, является самой известной сценой на знаменитой фреске Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы.

Сикстинская капелла в Ватикане украшена множеством фресок, но наиболее известна фресками на потолке Микеланджело. В период с 1980 по 1994 год искусствоведы Ватикана провели обширную реставрацию, удалив вековой дым от свечей и предыдущих реставрационных работ. Это показало цвета намного ярче, чем считалось ранее.

Пигменты, которые использовал Микеланджело, включали охру для красного и желтого, силикаты железа для зеленого, лазурит для синего и древесный уголь для черного.¹ Не все расписано так подробно, как кажется на первый взгляд. Например, фигуры на переднем плане нарисованы более детально, чем фигуры на заднем плане, что усиливает ощущение глубины потолка.

Подробнее о Сикстинской капелле:

• Музеи Ватикана: Сикстинская капелла
• Виртуальный тур по Сикстинской капелле

Источники:
1 Музеи Ватикана: Сикстинская капелла, веб-сайт государства-города Ватикан, по состоянию на 9 сентября 2010 г.

Блокнот Леонардо да Винчи

Художник эпохи Возрождения Леонардо да Винчи известен не только своими картинами, но и записными книжками. На этой фотографии один из них находится в Музее Виктории и Альберта в Лондоне.

В коллекции лондонского музея Виктории и Альберта пять записных книжек Леонардо да Винчи. Этот кодекс, известный как Codex Forster III, использовал Леонардо да Винчи между 1490 и 1493 годами, когда он работал в Милане на герцога Людовико Сфорца.

Это небольшой блокнот, такого размера, который легко поместится в кармане пальто. Он наполнен всевозможными идеями, заметками и набросками, в том числе «наброски ног лошади, рисунки шляпы и одежда, которые, возможно, были идеями для костюмов на балах, а также описание анатомии человека голова."¹ Хотя вы не можете перелистывать страницы записной книжки в музее, вы можете пролистать ее онлайн.

Читать его почерк непросто, между каллиграфическим стилем и использованием зеркального письма. (назад, справа налево), но некоторые находят увлекательным видеть, как он объединяет все ноутбук. Ноутбук рабочий, а не экспонат. Если вы когда-нибудь беспокоились, что ваш журнал творчества не было как-то правильно сделано или организовано, возьмите пример с этого мастера: делайте это так, как вам нужно.

<sub>Источник:
1. Исследуйте Кодексы Форстера, Музей Виктории и Альберта. (Проверено 8 августа 2010 г.)</sub>

«Мона Лиза» - Леонардо да Винчи

Леонардо да ВинчиКартина «Мона Лиза» в Лувре в Париже, пожалуй, самая известная картина в мире. Вероятно, это также самый известный пример сфумато, техника рисования, частично ответственная за ее загадочную улыбку.

Было много предположений о том, кем была женщина на картине. Считается, что это портрет Лизы Герардини, жены флорентийского торговца тканями по имени Франческо дель Джокондо. (Писатель-искусствовед XVI века Вазари был одним из первых, кто высказал это в своей «Жизни художников»). Также предполагалось, что причина ее улыбки заключалась в том, что она была беременна.

Историки искусства знают Леонардо начал «Мона Лизу» к 1503 году, поскольку запись о ней была сделана в том году высокопоставленным флорентийским чиновником Агостино Веспуччи. Когда он закончил, в этом нет уверенности. Первоначально Лувр датировал картину 1503-1506 годами, но открытия, сделанные в 2012 году, предполагают, что это могло быть не меньше десять лет спустя, прежде чем он был закончен, на основе фона, основанного на рисунке скал, который он, как известно, сделал в 1510-15.¹ Лувр изменил даты на 1503-19 марта 2012 года.

Источник:
1. Мона Лиза могла быть завершена на десять лет позже, чем предполагалось в The Art Newspaper Мартина Бейли, 7 марта 2012 г. (по состоянию на 10 марта 2012 г.)

Известные художники: Моне в Живерни

Справочные фотографии для живописи: «Сад в Живерни» Моне.

Одна из причин, по которой художник-импрессионист Клод Моне так известен, - это его картины отражений в прудах с лилиями, которые он создал в своем большом саду в Живерни. Это вдохновляло на долгие годы, вплоть до конца его жизни. Он набрасывал идеи для картин, вдохновленных прудами, и создавал маленькие и большие картины как отдельные работы, так и серии.

Подпись Клода Моне

Этот пример того, как Моне подписывал свои картины, взят из одной из его картин с водяными лилиями. Вы можете видеть, что он подписал его именем и фамилией (Клод Моне) и годом (1904). Он находится в правом нижнем углу, достаточно далеко, чтобы он не был обрезан рамкой.

Полное имя Моне было Клод Оскар Моне.

«Впечатление восхода солнца» - Моне

Эта картина Моне дала название импрессионистический стиль искусства. Он выставил ее в 1874 году в Париже на так называемой Первой выставке импрессионистов.

В своем обзоре выставки, названной им «Выставка импрессионистов», искусствовед Луи Лерой сказал:

"Обои в зародыше выглядят более законченными, чем морской пейзаж.."

<sub>Источник:
1. "Выставка импрессионистов" Луи Леруа, Le Charivari, 25 апреля 1874 г., Париж. Перевод Джона Ревальда в История импрессионизма, Moma, 1946, p256-61; цитируется в «Салоне к биеннале: выставки, вошедшие в историю искусства» Брюса Альтшулера, Phaidon, стр. 42-43.</sub>

Серия "Стога сена" - Моне

Моне часто рисовал серию одного и того же объекта, чтобы запечатлеть меняющиеся эффекты света, меняя холсты по ходу дня.

Моне писал много сюжетов снова и снова, но все картины из его серии уникальны, будь то картина с кувшинкой или стогом сена. Поскольку картины Моне разбросаны по коллекциям по всему миру, обычно только на специальных выставках его серии картин рассматриваются как группа. К счастью, Институт искусств в Чикаго В коллекции есть несколько картин Моне в виде стогов сена, так как они производят впечатляющее впечатление. смотреть вместе:

• Стек пшеницы
• Оттепель, Закат
• Закат, Снежный эффект
• Эффект снега, пасмурный день
• Конец лета

В октябре 1890 года Моне написал письмо искусствоведу Гюставу Джеффруа о серии стогов сена, которую он рисовал:

«Я усердно работаю над серией различных эффектов, но в это время года солнце садится так быстро, что за ним невозможно угнаться... чем дальше я продвигаюсь, тем больше понимаю, что нужно проделать огромную работу, чтобы отрендерить то, что я ищу: «мгновенность», прежде всего «конверт», тот же свет распространяется на все... Я все больше одержим необходимостью передать то, что я переживаю, и я молюсь, чтобы у меня осталось еще несколько хороших лет, потому что я думаю, что могу добиться некоторого прогресса в этом направлении... " ¹

<sup>Источник: ​
1. Сам Моне, p172, под редакцией Ричарда Кендалла, MacDonald & Co, Лондон, 1989.</sup>

«Водяные лилии» - Клод Моне

Клод Моне, "Кувшинки", гр. 19140-17, холст, масло. Размер 65 3/8 x 56 дюймов (166,1 x 142,2 см). В коллекции Музеи изящных искусств Сан-Франциско.

Моне, пожалуй, самый известный из импрессионистов, особенно его картины отражений в пруду с лилиями в его саду Живерни. На этой конкретной картине изображено крошечное облачко в верхнем правом углу и пятнистая голубизна неба, отраженная в воде.

Если вы изучите фотографии сада Моне, такие как этот пруд с лилиями Моне и этот один из цветов лилий, и сравните их с этой картиной, вы почувствовать, как Моне уменьшил детали в своем искусстве, включая только суть сцены или впечатление от отражения, воды и лилии цветок. Щелкните ссылку «Просмотреть в полном размере» под фотографией выше, чтобы увидеть увеличенную версию, в которой легче почувствовать манеру кисти Моне.

Французский поэт Поль Клодель сказал:

«Благодаря воде [Моне] стал художником того, чего мы не видим. Он обращается к той невидимой духовной поверхности, которая отделяет свет от отражения. Воздушная лазурь в плену жидкой лазури... Цвет поднимается со дна воды облаками, водоворотами ».

^{Источник:}
Страница 262 Искусство нашего века, Жан-Луи Ферье и Ян Ле Пишон

Подпись Камиля Писсарро

Художник Камиль Писсарро, как правило, менее известен, чем многие из его современников (например, Моне), но занимает уникальное место на временной шкале искусства. Он работал как импрессионист, так и неоимпрессионист, а также оказал влияние на таких известных ныне художников, как Сезанн, Ван Гог и Гоген. Он был единственным художником, который выставлялся на всех восьми выставках. Выставки импрессионистов в Париже с 1874 по 1886 год.

Автопортрет Ван Гога (1886/1887)

Этот портрет по Винсент Ван Гог находится в коллекции Художественного института Чикаго. Он был написан в стиле, похожем на пуантилизм, но не только в точках.

За два года жизни в Париже, с 1886 по 1888 год, Ван Гог написал 24 автопортрета. Институт искусств Чикаго описал этот метод как использование «точечной техники» Сёра не как научный метод, а как «интенсивный метод». эмоциональный язык, «на котором» красные и зеленые точки беспокоят и полностью соответствует нервному напряжению, очевидному в произведениях Ван Гога. посмотреть."

В письме через несколько лет к своей сестре Вильгельмине Ван Гог писал:

"За последнее время я нарисовал две картины самого себя, одна из которых, как мне кажется, носит скорее истинный характер, хотя в Голландии, вероятно, посмеялись бы над зарождающимися идеями портретной живописи. здесь... Я всегда считаю фотографии отвратительными, и мне не нравится, когда они рядом, особенно фотографии людей, которых я знаю и люблю... фотографические портреты увядают гораздо раньше, чем мы сами, в то время как нарисованный портрет - это вещь, которую мы чувствуем, делаем с любовью или уважением к изображаемому человеческому существу ».

Источник:
Письмо Вильгельмине Ван Гог, 19 сентября 1889 г.

Подпись Винсента Ван Гога

Ночное кафе работы Ван Гога сейчас находится в коллекции Художественной галереи Йельского университета. Известно, что Ван Гог подписывал только те картины, которыми он был особенно доволен, но что необычно в случае с этой картиной, так это то, что он добавил заголовок под своей подписью: «Le café de Nuit».
Обратите внимание, что Ван Гог подписывал свои картины просто «Винсент», а не «Винсент Ван Гог» или «Ван Гог».

В письме своему брату Тео, написанному 24 марта 1888 года, он сказал:

«В будущем мое имя должно быть занесено в каталог, поскольку я подписываю его на холсте, а именно Винсент, а не Ван Гог, по той простой причине, что они не знают, как здесь произносить последнее имя».

«Здесь» - это Арль, на юге Франции.
Если вам интересно, как вы произносите Ван Гог, помните, что это голландская фамилия, а не французская или английская. Так произносится «Гог», поэтому оно рифмуется с шотландским «loch». Это не «гофф» и не «иди».

Звездная ночь - Винсент Ван Гог

Эта картина, возможно, самая известная картина Винсента Ван Гога, находится в коллекции музей современного искусства в Нью-Йорке.
Ван Гог нарисовал Звездная ночь в июне 1889 года, упомянув об утренней звезде в письме своему брату Тео, написанному примерно 2 июня 1889 года: «Сегодня утром я видел страну из своего окна задолго до восхода солнца, только с утренней звездой, которая выглядела очень большой. "Утренняя звезда (на самом деле планета Венера, а не звезда) обычно считается большой белой, нарисованной слева от центра картины.
В более ранних письмах Ван Гога также упоминаются звезды и ночное небо и его желание их нарисовать:

1. «Когда я смогу когда-нибудь приступить к рисованию звездного неба, той картины, которая всегда находится в моей голове?» (Письмо Эмилю Бернару, 18 июня 1888 г.)
2. «Что касается звездного неба, я очень надеюсь его нарисовать, и, возможно, однажды сделаю это» (Письмо Тео Ван Гогу, около 26 сентября 1888 г.).
3. «Сейчас я очень хочу нарисовать звездное небо. Мне часто кажется, что ночь все же окрашена ярче, чем день; с оттенками самых интенсивных фиалок, синих и зеленых тонов. Если только вы обратите на это внимание, вы увидите, что одни звезды лимонно-желтые, другие розовые или зеленые, голубые и сверкающие незабудки... очевидно, что маленьких белых точек на сине-черном недостаточно, чтобы нарисовать звездное небо ». (Письмо Вильгельмине Ван Гог, 16 сентября 1888 г.)

Ресторан de la Sirene в Аньере - Винсент Ван Гог

Эта картина Винсента Ван Гога находится в коллекции Эшмоловского музея в Оксфорде, Великобритания. Ван Гог написал ее вскоре после того, как в 1887 году приехал в Париж, чтобы жить со своим братом Тео на Монмартре, где Тео управлял художественной галереей.
Впервые Винсент познакомился с картинами импрессионистов (в частности, Моне) и познакомился с такими художниками, как Гоген, Тулуз-Лотрек, Эмиль Бернар и Писсарро. По сравнению с его предыдущими работами, в которых преобладали темные землистые тона, характерные для североевропейских художников, таких как Рембрандт, эта картина показывает влияние этих художников на него.
Цвета, которые он использовал, стали светлее и ярче, а его манера письма стала более свободной и заметной. Посмотрите на эти детали на картине, и вы увидите, как он использовал небольшие штрихи чистого цвета, выделенные отдельно. Он не смешивает цвета на холсте, но позволяет этому происходить в глазах зрителя. Он пробует сломанный цвет подход импрессионистов.
По сравнению с его более поздними картинами, цветные полосы расположены на расстоянии друг от друга, а между ними виден нейтральный фон. Он еще не покрыл весь холст насыщенным цветом и не использовал возможности использования кистей для создания текстуры в самой краске.

Ресторан de la Sirene в Аньере - Винсент Ван Гог (Фрагмент)

Эти детали из картины Ван Гога «Ресторан де ла Сирена в Аньере» (из собрания Эшмоловского музея) показывают, как он экспериментировал со своей манерой письма и мазками после того, как познакомился с картинами импрессионистов и других современных парижан. художники.

«Четыре танцора» - Эдгар Дега

Эдгар Дега, Четыре танцора, ок. 1899. Масло на холсте. Размер 59 1/2 x 71 дюйм (151,1 x 180,2 см). в Национальная художественная галерея, Вашингтон.

"Портрет матери художника" - Уистлер.

Возможно, это самая известная картина Уистлера. Полное название - «Серо-черная композиция № 1, Портрет матери художника». Его мать согласилась позировать для картины, когда модель, которую использовал Уистлер, заболела. Сначала он попросил ее позировать стоя, но, как вы можете видеть, он уступил и позволил ей сесть.
На стене офорт Уистлера «Пристань Черного льва». Если вы очень внимательно посмотрите на занавеску слева вверху на раме офорта вы увидите более светлое пятно - это символ бабочки, которым Уистлер подписывал свои картины. Символ не всегда был одинаковым, но он изменился, и его форма используется для датировки его работ. Известно, что он начал использовать его к 1869 году.

«Надежда II» - Густав Климт

«Тот, кто хочет что-то узнать обо мне - единственном, что примечательно как о художнике, - должен внимательно посмотреть на мои картины и попытаться увидеть в них, кто я и что хочу делать». Климт.

Густав Климт нарисовал Надежда II холст, 1907/8, масляные краски, золото, платина. Его размер - 43,5 x 43,5 дюйма (110,5 x 110,5 см). Картина является частью коллекции музей современного искусства в Нью-Йорке.
Надежда II прекрасный пример Использование Климтом сусального золота в картинах и его богатый орнаментальный стиль. Посмотрите, как он нарисовал одежду, которую носит главная фигура, как это абстрактная форма, украшенная кругами, но мы все еще «читаем» ее как плащ или платье. Как внизу он сливается с тремя другими гранями.
В своей иллюстрированной биографии Климта искусствовед Фрэнк Уитфорд сказал:

Климт »применил настоящее золото и серебро, чтобы еще больше усилить впечатление, что картина это драгоценный объект, не зеркало, в котором можно увидеть природу, а тщательно созданный артефакт ». ²

Этот символизм по-прежнему считается актуальным в наши дни, учитывая, что золото по-прежнему считается ценным товаром.
Климт жил в Вене в Австрии и черпал вдохновение больше из Востока, чем из Запада, из «таких источников, как Византийское искусство, микенские изделия из металла, персидские ковры и миниатюры, мозаики церквей Равенны и японские экраны ". ³
Источник:
1. Художники в контексте: Густав Климт Фрэнка Уитфорда (Collins & Brown, Лондон, 1993), задняя обложка.
2. Там же. стр82.
3. Основные моменты MoMA (Музей современного искусства, Нью-Йорк, 2004 г.), стр. 54

Подпись Пикассо

Это подпись Пикассо на его картине 1903 года (из его Голубого периода) под названием «Любитель абсента».
Пикассо экспериментировал с различными сокращенными версиями своего имени в качестве подписи к картине, включая обведены инициалы, прежде чем установить на «Пабло Пикассо» Сегодня мы обычно слышим, как его называют просто «Пикассо».

Его полное имя было: Пабло, Диго, Хосе, Франсиско де Паула, Хуан Непомусено, Мария де лос Ремедиос, Сиприано, де ла Сантисима Тринидад, Руис Пикассо¹.
​
<sub>Источник:
1. Наташа Сталлер «Сумма разрушений: культуры Пикассо и создание кубизма». Издательство Йельского университета. Стр. 209.</sub>

"Любитель абсента" - Пикассо

Эта картина была создана Пикассо в 1903 году, в его голубой период (время, когда в картинах Пикассо преобладали синие тона; когда ему было за двадцать). На нем изображен художник Анхель Фернандес де Сото, который больше увлекался вечеринками и выпивкой, чем его картина.¹, и который дважды делил студию с Пикассо в Барселоне.
Картина была выставлена ​​на аукцион в июне 2010 года Фондом Эндрю Ллойда Уэббера после того, как в США было достигнуто внесудебное соглашение о праве собственности. после заявления потомков немецко-еврейского банкира Пауля фон Мендельсона-Бартольди о том, что картина находилась под принуждением в 1930-х годах во время нацистского режима в Германия.

<sub>Источник:
1. Аукционный дом Christie's пресс-релиз, «Christie's предлагает шедевр Пикассо», 17 марта 2010 г.</sub>

«Трагедия» - Пикассо

Пабло Пикассо, Трагедия, 1903 год. Масло по дереву. Размер 41 7/16 x 27 3/16 дюйма (105,3 x 69 см). в Национальная художественная галерея, Вашингтон.

Это из его голубого периода, когда в его картинах, как следует из названия, доминировал блюз.

Эскиз Пикассо к его знаменитой картине "Герника".

Планируя и работая над своей огромной картиной «Герника», Пикассо делал множество набросков и этюдов. На фото один из его состав наброски, которые сами по себе не кажутся особенными, набор набросанных линий.

Вместо того, чтобы пытаться расшифровать, что это за разные вещи и где они находятся на окончательной картине, представьте это как стенографию Пикассо. Простой изготовление отметок для образов, которые он держал в уме. Сосредоточьтесь на том, как он использует это, чтобы решить, где разместить элементы на картине, на взаимодействии между этими элементами.

«Герника» - Пикассо

Эта знаменитая картина Пикассо огромна: 11 футов 6 дюймов в высоту и 25 футов 8 дюймов в ширину (3,5 х 7,76 метра). Пикассо написал его по заказу Испанского павильона на Всемирной выставке 1937 года в Париже. Он находится в музее королевы Софии в Мадриде, Испания.

"Портрет мистера Мингеля" - Пикассо

Пикассо написал этот портрет в 1901 году, когда ему было 20 лет. Сюжет: каталонский портной мистер Мингуэлл, которого, как полагают, Пикассо представил его арт-дилер и друг Педро Манах.¹. Стиль показывает обучение Пикассо традиционной живописи и то, как далеко развился его стиль рисования в течение его карьеры. То, что он нарисован на бумаге, - знак того, что это было сделано в то время, когда Пикассо был разорен, еще не заработав достаточно денег, чтобы рисовать на холсте.

Пикассо подарил Мингеллу картину, но позже выкупил ее, и она все еще была у него, когда он умер в 1973 году. Картина была написана на холсте и, вероятно, также отреставрирована под руководством Пикассо «где-то до 1969 года».², когда он был сфотографирован для книги Кристиана Зервоса о Пикассо.

В следующий раз, когда вы попадете в один из тех аргументов за званым ужином о том, что все художники-нереалисты только рисуют Аннотация, кубист, фовист, импрессионист, выберите свой стиль, потому что они не могут создавать «настоящие картины», спросите человека, помещают ли они Пикассо в эту категорию (большинство из них), затем упомяните эту картину.

_{Источник:
1 & 2. Распродажа Bonhams 17802 Детали лота Распродажа искусства импрессионистов и современного искусства 22 июня 2010 г. (Проверено 3 июня 2010 г.)}

"Дора Маар" или "Тет-де-Femme" - Пикассо

При продаже на аукционе в июне 2008 года эта картина Пикассо была продана за 7 881 250 фунтов стерлингов (15 509 512 долларов США). Аукционная оценка составляла от трех до пяти миллионов фунтов.

Les Demoiselles d'Avignon - Пикассо

Эта огромная картина (почти восемь квадратных футов) Пикассо считается одним из самых важных произведений современного искусства, когда-либо созданных, если не в Самое главное, решающая картина в развитии современного искусства. На картине изображены пять женщин - проституток в борделе - но есть много споров о том, что все это означает, и все ссылки и влияния в этом.
Искусствовед Джонатан Джонс¹ говорит:

"Что поразило Пикассо в африканских масках [очевидно на лицах фигур справа], так это то, что самое очевидное: они маскируют вас, превращают во что-то другое - животное, демона, Бог. Модернизм - это искусство, которое носит маску. Он не говорит, что это значит; это не окно, а стена. Пикассо выбрал тему именно потому, что это было клише: он хотел показать, что оригинальность в искусстве заключается не в повествовании или морали, а в формальном изобретении. Вот почему ошибочно рассматривать Les Demoiselles d'Avignon как картину «о» публичных домах, проститутках или колониализме ».

Источник:
1. Панки Пабло Джонатан Джонс, Хранитель, 9 января 2007 г.

«Женщина с гитарой» - Жорж Брак

Жорж Брак, Женщина с гитарой, 1913. Холст, масло, уголь. 51 1/4 x 28 3/4 дюйма (130 x 73 см). В Национальном музее современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, Париж.

Красная студия - Анри Матисс

Картина находится в коллекции Музей современного искусства (Мома) в Нью-Йорке. Он показывает интерьер живописной мастерской Матисса в плоской перспективе или на одной картинной плоскости. Стены его мастерской были не красными, а белыми; он использовал красный цвет в своей картине для создания эффекта.
В его студии выставлены различные его работы и предметы студийной мебели. Очертания мебели в его студии - это линии краски, раскрывающие цвет нижнего, желтого и синего слоя, а не нарисованные поверх красного.

1. "Изогнутые линии предполагают глубину, а сине-зеленый свет окна усиливает ощущение внутреннего пространства, но простор красного сглаживает изображение. Матисс усиливает этот эффект, например, опуская вертикальную линию угла комнаты ».
- MoMA Highlights, опубликовано Moma, 2004, стр.77.

2. "Все элементы... погружают их индивидуальные личности в то, что превратилось в длительную медитацию на искусство и жизнь, пространство, время, восприятие и природу самой реальности... перекресток западной живописи, где классическое внешнее, преимущественно изобразительное искусство прошлого встретилось с временным, внутренним и самореференциальным этосом будущего... "
- Хилари Сперлинг, стр.81.

Танец - Анри Матисс

На верхнем фото изображена законченная картина Матисса под названием Танец, завершенный в 1910 году и сейчас находится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге, Россия. На нижнем фото изображен полноразмерный композиционный этюд, который он сделал для картины, теперь в МОМА в Нью-Йорке, США. Матисс написал ее по заказу коллекционера Сергея Щукина.
Это огромная картина, почти четыре метра в ширину и два с половиной метра в высоту (12 футов 9 1/2 дюймов на 8 футов 6 1/2 дюймов) и написана с использованием палитры, ограниченной тремя цветами: красным, зеленый и синий. Я думаю, что эта картина показывает, почему Матисс имеет такую ​​репутацию колориста, особенно если сравнить этюд с последней картиной с ее светящимися фигурами.
В своей биографии Матисса (на странице 30) Хилари Сперлинг говорит:

"Те, кто видел первую версию Танец описал его как бледный, нежный, даже сказочный, окрашенный в яркие цвета... во второй версии - в свирепый плоский фриз с красными фигурами, вибрирующими на фоне ярко-зелёных и небесных полос. Современники считали картину языческой и дионисийской ».

Обратите внимание на сглаженную перспективу, на то, что фигуры имеют одинаковый размер, а не те, которые находятся дальше от меньшего, как это было бы в перспективе или ракурсе для репрезентативных картин. Как линия между синим и зеленым за фигурами изогнута, повторяя круг фигур.

«Поверхность была окрашена до насыщенности, до такой степени, что синий цвет, идея абсолютного синего, явно присутствовал. Ярко-зеленый для земли и яркий киноварь для тел. С этими тремя цветами я получил свою гармонию света и чистоту тона », - Матисс.

Источник:
«Введение в выставку From Russian для учителей и студентов» Грега Харриса, Королевская академия художеств, Лондон, 2008 г.

Известные художники: Виллем де Кунинг.

Художник Виллем де Кунинг родился в Роттердаме, Нидерланды, 24 августа 1904 года и умер на Лонг-Айленде, штат Нью-Йорк, 19 марта 1997 года. Де Кунинг поступил в ученики в коммерческую фирму, занимающуюся художественным и декорированием, когда ему было 12 лет, и в течение восьми лет посещал вечерние занятия в Роттердамской академии изящных искусств и методов. В 1926 году он эмигрировал в США, а в 1936 году начал заниматься полноценной живописью.

Живописным стилем Де Кунинга был абстрактный экспрессионизм. У него была первая персональная выставка в галерее Чарльза Игана в Нью-Йорке в 1948 году, на которой были представлены работы, выполненные черно-белой эмалевой краской. (Он начал использовать эмалевую краску, поскольку не мог позволить себе пигменты художника.) К 1950-м годам он был признан один из лидеров абстрактного экспрессионизма, хотя некоторые пуристы этого стиля считали его картины (например, его Женщина series) содержат слишком много человеческого облика.

Его картины содержат много слоев, элементы перекрываются и скрываются, когда он переделывал и переделывал картину. Изменения разрешено показывать. Он активно рисовал на своих полотнах углем как для первоначальной композиции, так и во время рисования. Его манера письма жесткая, выразительная, дикая, с чувством энергии за мазками. Последний взгляд на картины сделан, но этого не произошло.

Художественная продукция Де Кунинга насчитывала почти семь десятилетий и включала картины, скульптуры, рисунки и гравюры. Его последние картины Источник в конце 1980-х. Его самые известные картины: Розовые ангелы (c. 1945), Раскопки (1950), и его третий Женщина серия (1950–53) выполнена в более живописном стиле и импровизационном подходе. В 1940-е годы работал одновременно в абстрактном и изобразительном стилях. Его прорывом стали его черно-белые абстрактные композиции 1948–49. В середине 1950-х он нарисовал городские абстракции, вернувшись к фигуре в 1960-х, а затем к большим жестовым абстракциям в 1970-х. В 1980-х годах де Кунинг перешел к работе с гладкими поверхностями, остеклению яркими прозрачными цветами поверх фрагментов жестов.

Американская готика - Грант Вуд

американская готика Пожалуй, самая известная из всех картин, когда-либо созданных американским художником Грантом Вудом. Сейчас он находится в Институте искусств Чикаго.

Грант Вуд написал картину «Американская готика» в 1930 году. На нем изображены мужчина и его дочь (не его жена¹) стоя перед своим домом. Грант увидел здание, вдохновившее его на создание картины, в Элдоне, штат Айова. Архитектурный стиль - американская готика, отсюда и название картины. Модели для картины - сестра Вуда и их дантист.². Картина подписана у нижнего края, на комбинезоне мужчины, с указанием имени художника и года (Грант Вуд 1930).

Что означает картина? Вуд задумал это достойно передать характер американцев Среднего Запада, демонстрируя их пуританскую этику. Но это можно расценивать как комментарий (сатиру) на нетерпимость сельского населения к чужакам. Символика картины включает каторгу (вилы) и домашнее хозяйство (цветочные горшки и фартук с колониальным принтом). Если вы присмотритесь, вы увидите, что три зубца вил перекликаются с вышивкой на комбинезоне мужчины, продолжая полосы на его рубашке.

^{Источник:
американская готика, Институт искусств Чикаго, получено 23 марта 2011 года.}

«Христос святого Иоанна Креста» - Сальвадор Дали

Эта картина Сальвадор Дали находится в коллекции Художественная галерея и музей Келвингроув в Глазго, Шотландия. Впервые он был выставлен в галерее 23 июня 1952 года. Картина была куплена за 8 200 фунтов стерлингов, что считалось высокой ценой, несмотря на то, что в нее входили авторские права, которые позволили галерее получать гонорары за репродукцию (и продавать бесчисленные открытки!).
Для Дали было необычно продавать авторские права на картину, но ему нужны были деньги. (Авторские права остаются за художником, если он не подписан, см. Часто задаваемые вопросы об авторских правах художника.)

«Судя по финансовым затруднениям, Дали сначала попросил 12 000 фунтов стерлингов, но после некоторых жестких переговоров... он продал его почти на треть дешевле и в 1952 году подписал письмо городу [Глазго], уступая авторские права.

Название картины - отсылка к рисунку, вдохновившему Дали. Рисунок пером и тушью был сделан после видения святого Иоанна Креста (испанский монах-кармелит, 1542–1591), в котором он увидел распятие Христа, как если бы он смотрел на него сверху. Композиция поражает необычностью ракурса распятия Христа, драматическое освещение, сильное отбрасывание. тени, и большое использование ракурс на рисунке. Пейзаж внизу картины - гавань родного города Дали, Порт-Льигат в Испании.
Картина вызвала много споров: сумма, которую за нее заплатили; предмет; стиль (который оказался скорее ретро, ​​чем модерном). Подробнее о картине читайте на сайте галереи.

Источник:
"Сюрреалистический случай изображений Дали и битва за художественную лицензию"Северин Каррелл, Хранитель, 27 января 2009 г.

Банки супа Кэмпбелла - Энди Уорхол

Деталь Энди Уорхола Банки с супом Кэмпбелла. Акрил на холсте. 32 картины размером 20x16 дюймов (50,8x40,6 см) каждая. В коллекции Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке.
Впервые Уорхол выставил свою серию картин Кэмпбелла с банками для супа в 1962 году, когда нижняя часть каждой картины стояла на полке, как банка в супермаркете. Всего в сериале 32 картины, количество разновидностей супа, продаваемых в то время Кэмпбеллом.
Если бы вы вообразили, что Уорхол наполняет свою кладовую банками супа, а затем ест банку, когда закончил рисовать, ну, похоже, нет. Согласно веб-сайту Moma, Уорхол использовал список продуктов от Campbell's, чтобы придать каждой картине свой оттенок.
Когда его спросили об этом, Уорхол сказал:

"Я пил это. Раньше я ел один и тот же обед каждый день в течение двадцати лет, думаю, одно и то же снова и снова ".¹

У Уорхола также явно не было заказа, в котором он хотел бы выставить картины. Мома показывает картины «рядами, отражающими хронологический порядок, в котором [супы] были представлены, начиная с« Помидора »в верхнем левом углу, который дебютировал в 1897 году».

Поэтому, если вы рисуете серию и хотите, чтобы они отображались в определенном порядке, обязательно отметьте это где-нибудь. Задний край холстов, вероятно, лучший, так как тогда он не будет отделяться от картины (хотя он может быть скрыт, если картины будут обрамлены).
Уорхол - художник, о котором часто упоминают художники, желающие создать производные работы. Прежде чем делать подобные вещи, стоит отметить две вещи:

1. На Сайт Момы, есть указание на лицензию Campbell's Soup Co (т. е. лицензионное соглашение между суповой компанией и поместьем художника).
2. Во времена Уорхола защита авторских прав, кажется, была не такой важной проблемой. Не делайте предположений об авторском праве на основе работ Уорхола. Проведите исследование и решите, насколько вас беспокоит дело о возможном нарушении авторских прав.

Кэмпбелл не поручал Уорхолу делать картины (хотя впоследствии они заказали одну для уходящего на пенсию председателя совета директоров в 1964 году) и был обеспокоен, когда бренд появился на картинах Уорхола в 1962 году, приняв выжидательный подход, чтобы судить, какова была реакция на картины. В 2004, 2006 и 2012 годах Campbell's продавала банки со специальными памятными этикетками Уорхола.

<sub>Источник:
1. Как указано на Мома, по состоянию на 31 августа 2012 г.</sub>

Большие деревья возле Уортера - Дэвид Хокни

Верхний: Художник Дэвид Хокни стоит рядом с частью своей картины маслом «Большие деревья возле Уортера», которую он подарил галерее Тейт Британия в апреле 2008 года.
Нижний: Картина была впервые выставлена ​​на Летней выставке 2007 года в Королевской академии в Лондоне, заняв всю стену.
Картина маслом Дэвида Хокни «Большие деревья возле Уортера» (также называемая Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) изображает сцену возле Бридлингтона в Йоркшире. Картина составлена ​​из 50 расположенных рядом друг с другом полотен. В сумме общий размер картины составляет 40х15 футов (4,6х12 метров).
В то время, когда Хокни писал ее, это была самая большая работа, которую он когда-либо завершал, хотя и не первая, которую он создал с использованием нескольких полотен.

" Я сделал это, потому что понял, что могу обойтись без лестницы. Когда вы рисуете, вам нужно сделать шаг назад. Что ж, есть художники, которых убили, отступая от лестниц, не так ли?"
- цитирует Хокни в Рейтер новостной репортаж, 7 апреля 2008 г.

Хокни использовал рисунки и компьютер, чтобы помочь с композицией и рисованием. После завершения раздела была сделана фотография, чтобы он смог увидеть всю картину на компьютере.

«Сначала Хокни нарисовал сетку, показывающую, как сцена будет соответствовать более чем 50 панелям. Затем он начал работать над отдельными панелями на месте. Когда он работал над ними, они были сфотографированы и превращены в компьютерную мозаику, чтобы он мог наметить свой прогресс, поскольку у него могло быть только шесть панелей на стене одновременно ».

Источник:
Шарлотта Хиггинс, Хранитель корреспондент по искусству, Хокни жертвует огромную работу Тейт, 7 апреля 2008 г.

Военные картины Генри Мура

В Выставка Генри Мура в лондонской галерее Tate Britain проходила с 24 февраля по 8 августа 2010 года.

Британский художник Генри Мур наиболее известен своими скульптурами, но также известен своими чернилами, воском и акварельные рисунки людей, укрывшихся на станциях лондонского метро во время Второй мировой войны. Мур был официальным военным художником, а 2010 Выставка Генри Мура в галерее Тейт Британия есть комната, посвященная им. Сделанные между осенью 1940 года и летом 1941 года, он изображает спящих людей, свернувшихся в поезде. туннели захватили чувство страдания, которое изменило его репутацию и повлияло на популярное восприятие Блиц. Его работы 1950-х годов отражали последствия войны и перспективы дальнейшего конфликта.
Мур родился в Йоркшире и учился в художественной школе Лидса в 1919 году, после службы в Первой мировой войне. В 1921 году он получил стипендию Королевского колледжа в Лондоне. Позже он преподавал в Королевском колледже, а также в Школе искусств Челси. С 1940 года Мур жил в Перри Грин в Хартфордшире, где сейчас проживает Фонд Генри Мура. На Венецианской биеннале 1948 года Мур получил Международную скульптурную премию.

«Фрэнк» - Чак Клоуз

«Фрэнк» Чака Клоуса, 1969 год. Акрил на холсте. Размер 108 x 84 x 3 дюйма (274,3 x 213,4 x 7,6 см). в Институт искусств Миннеаполиса.

Люсьен Фрейд Автопортрет и фотопортрет

Художник Люсьен Фрейд известен своим пристальным, неумолимым взглядом, но, как показывает этот автопортрет, он обращает его на себя, а не только на своих моделей.

1. «Я думаю, что отличный портрет связан с... чувство и индивидуальность, интенсивность внимания и сосредоточенность на конкретном ». ¹
2. "... ты должен попытаться изобразить себя другим человеком. С автопортретами «подобие» становится другим. Я должен делать то, что чувствую, не будучи экспрессионистом ». ²

<sup>Источник:
1. Люсьен Фрейд, цитируется в Freud at Work p32-3. 2. Люсьен Фрейд, цитата из книги Люсьена Фрейда Уильяма Фивера (Tate Publishing, Лондон, 2002), стр. 43.</sup>

"Отец Моны Лизы" - Ман Рэй

«Отец Моны Лизы» Мана Рэя, 1967. Репродукция рисунка на ДВП с добавлением сигары. Размер 18 x 13 5/8 x 2 5/8 дюйма (45,7 x 34,6 x 6,7 см). В коллекции Музей Хиршорна.
Многие люди связывают Ман Рэя только с фотографией, но он также был художником и живописцем. Он дружил с художником Марселем Дюшаном и сотрудничал с ним.
В мае 1999 г. Новости искусства журнал включил Ман Рэя в список 25 самых влиятельных художников 20-го века за его фотографии и «исследования в области кино, живописи, скульптуры, коллажей, сборок». Эти прототипы в конечном итоге будут называться перформансом и концептуальным искусством ».

Art News сказали:

«Ман Рэй предложил художникам во всех средствах массовой информации пример творческого интеллекта, который в своем« стремлении к удовольствиям и свободе »[заявленное руководство Ман Рэя принципы] отпирал каждую дверь, к которой приходил, и свободно ходил, где хотел ». (Цитата: Art News, май 1999 г.,« Умышленный провокатор »от AD. Коулман.)

Эта работа, «Отец Моны Лизы», показывает, как относительно простая идея может быть эффективной. Самое сложное - это в первую очередь придумать идею; иногда они приходят как вспышка вдохновения; иногда как часть мозгового штурма идей; иногда путем развития и реализации концепции или мысли.

Известные художники: Ив Кляйн

Ретроспектива: Выставка Ива Кляйна в музее Хиршхорна в Вашингтоне, США, с 20 мая по 12 сентября 2010 года.

Художник Ив Кляйн, вероятно, наиболее известен своими монохромными работами с его особенным синим цветом (например, см. «Живую кисть»). IKB или International Klein Blue - это ультрамариновый синий, который он сформулировал.

Называя себя «художником пространства», Кляйн «стремился достичь нематериальной духовности с помощью чистого цвета» и интересовался «современными представлениями о концептуальной природе искусства».¹.

У Кляйна была относительно короткая карьера, менее десяти лет. Его первой публичной работой была книга художника. Ив Пейнтюрс («Картины Ива»), изданная в 1954 году. Его первая публичная выставка состоялась в 1955 году. Он умер от сердечного приступа в 1962 году в возрасте 34 лет. (Хронология жизни Кляйн из Архив Ива Кляйна.)

<sub>Источник:
1. Ив Кляйн: С пустотой, Полные полномочия, Музей Хиршхорна, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, по состоянию на 13 мая 2010 г.</sub>

«Живая кисть» - Ив Кляйн

Эта картина французского художника Ив Кляйн (1928-1962) - одна из серии, в которой он действительно использовал «живые кисти». Он покрыл обнаженных женщин-моделей своей фирменной синей краской (International Klein Blue, IKB), а затем в перформансе перед аудиторией, «нарисовав» ими на больших листах бумаги, направляя их устно.
Название «ANT154» получено из комментария искусствоведа Пьера Рестани, описывающего картины произведены как «антропометрии голубого периода». Кляйн использовал аббревиатуру ANT как серию заглавие.

Черная картина - Ад Рейнхардт

"В цвете есть что-то неправильное, безответственное и бездумное; что-то невозможно контролировать. Контроль и рациональность - часть моей морали ». - Ад Рейнхард в 1960 году. ¹

Эта монохромная картина американского художника Эда Рейнхардта (1913-1967) находится в Музее современного искусства (Moma) в Нью-Йорке. Оно 60x60 дюймов (152,4x152,4 см), холст, масло, написано в 1960-61 годах. Последнее десятилетие и часть своей жизни (он умер в 1967 году) Райнхардт использовал в своих картинах только черный цвет.
Эми Сиа, который сделал снимок, говорит, что помощник показывает, как картина разделена на девять квадратов, каждый из которых имеет свой оттенок черного.
Не волнуйтесь, если вы не видите его на фото. Трудно увидеть, даже когда ты стоишь перед картиной. В ее очерк о Рейнхардте для Гуггенхайма Нэнси Спектор описывает полотна Райнхардта как «приглушенные черные квадраты, содержащие едва различимые крестообразные формы, [которые] бросают вызов пределам видимости». ².
<sup>Источник:
1. Цвет в искусстве Джон Гейдж, стр. 205
2. Рейнхардт Нэнси Спектор, Музей Гуггенхайма (доступ 5 августа 2013 г.)</sup>

Лондонская живопись Джона Вирчу

Британский художник Джон Вирчу с 1978 года пишет абстрактные пейзажи только черно-белыми. На DVD, выпущенном Лондонской национальной галереей, Вирту говорит, что работа в черно-белом цвете заставляет его «изобретать… изобретать заново». «Отказ от цвета» углубляет мое ощущение того, что это за цвет... Ощущение того, что я вижу... лучше всего и точнее и лучше передается, если у меня нет палитры масла краска. Цвет был бы тупиком ".
Это одна из лондонских картин Джона Вирчу, созданная в то время, когда он работал младшим художником в Национальной галерее (с 2003 по 2005 годы). В Сайт Национальной галереи описывает картины Вертью как имеющие «сходство с восточной живописью и американским абстрактным экспрессионизмом» и тесно связанные с «великим английским языком. художники-пейзажисты, Тернер и Констебль, которыми Виртью восхищаются, «а также находящиеся под влиянием» голландских и фламандских пейзажей Рейсдаля, Конинка и Рубенс ».
Добродетель не дает названия его картинам, только цифры. В интервью апрельскому выпуску журнала 2005 г. Художники и иллюстраторы В журнале Virtue говорится, что он начал нумеровать свои работы в хронологическом порядке еще в 1978 году, когда начал работать в монохромном режиме:

"Нет никакой иерархии. Неважно, 28 футов это или три дюйма. Это невербальный дневник моего существования ".

Его картины просто называют «Пейзаж №45» или «Пейзаж №630» и так далее.

Корзина с искусством - Майкл Лэнди

Выставка Art Bin художника Майкла Лэнди прошла в Галерея Южного Лондона с 29 января по 14 марта 2010 г. Концепт огромен (600 м.³) мусорное ведро, встроенное в пространство галереи, в котором выбрасывается искусство, «памятник творческой неудаче».¹.
Но не просто старое искусство; вам нужно было подать заявку на выброс вашего искусства в корзину, онлайн или в галерею, и Майкл Лэнди или один из его представителей решали, можно ли его включить или нет. Если его принимали, его бросали в мусорное ведро с башни на одном конце.

Когда я был на выставке, мне бросили несколько штук, и человек, который бросал, много практики от того, как он мог заставить одну картину скользить прямо на другую сторону контейнер.
Художественная интерпретация идет по пути того, когда и почему искусство считается хорошим (или мусорным), субъективность в ценность, приписываемая искусству, акт коллекционирования произведений искусства, способность коллекционеров произведений искусства и галерей создавать или разрушать карьеры.

Конечно, было интересно пройтись по сторонам, глядя на то, что было брошено, что сломалось (много кусков полистирола), а что нет (большинство картин на холсте были целыми). Где-то внизу был большой отпечаток черепа, украшенный стеклом Дэмиена Херста и кусок Трейси Эмин. В конечном итоге то, что может быть переработано (например, подрамники из бумаги и холста), а остальное будет отправлено на свалку. Похоронен как мусор, вряд ли археологи раскопают его спустя столетия.

_{Источник:
1&2. # Майкл Лэнди: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), веб-сайт South London Gallery, по состоянию на 13 марта 2010 г.}

Барак Обама - Шепард Фейри

Эта картина американского политика Барака Обамы, смешанная по трафарету, была создана уличным художником из Лос-Анджелеса. Шепард Фейри. Это было центральное портретное изображение, использованное в предвыборной кампании Обамы в 2008 году и распространяемое ограниченным тиражом и бесплатно скачиваемое. Сейчас он находится в Национальной портретной галерее в Вашингтоне.

1. «Чтобы создать свой плакат с Обамой (что он сделал менее чем за неделю), Фейри вытащил из Интернета новостную фотографию кандидата. Он искал Обаму, который выглядел бы президентом... Затем художник упростил линии и геометрию, используя красную, белую и синюю патриотическую палитру (с которой он играет, делая белый цвет бежевым, а синий - пастельным)... жирные слова ...
2. "Его плакаты с Обамой (а также многие его коммерческие и художественные работы) - это переработка методов революционные пропагандисты - яркие краски, жирный шрифт, геометрическая простота, героические позы ».

Источник: ​
"Безоговорочная поддержка Обамы" Уильям Бут, Вашингтон Пост 18 мая 2008 г.

«Реквием, белые розы и бабочки» - Дэмиен Херст

Британский художник Дэмиен Херст наиболее известен своими животными, консервированными в формальдегиде, но в свои 40 лет вернулся к масляной живописи. В октябре 2009 года он впервые выставил в Лондоне картины, созданные в период с 2006 по 2008 год. Это пример еще не известной картины известного художника из его выставка в коллекции Уоллеса в Лондоне под названием «Нет любви потерянной». (Даты: с 12 октября 2009 г. по 24 января 2010 г.)
Новости BBC процитировал Херста.

«Сейчас он пишет исключительно от руки», что два года его «картины смущали, и я не хотел кто-нибудь, чтобы войти "и что ему" пришлось заново учиться рисовать впервые с тех пор, как он был подростком. студент."¹

В пресс-релизе, сопровождающем выставку Уоллеса, говорится:

«Синие картины» свидетельствуют о новом смелом направлении в его творчестве; серия картин, которые, по словам художника, «глубоко связаны с прошлым» ».

Нанесение краски на холст, безусловно, новое направление для Херста, и студенты-художники, вероятно, последуют его примеру. Картина маслом может снова стать модной.
Путеводитель по Лондону от About.com, Лаура Портер, посетила пресс-превью выставки Херста и получила ответ на один вопрос, который мне очень хотелось знать: какие синие пигменты он использовал?

Лауре сказали, что это было "Берлинская лазурь для всех, кроме одной из 25 картин, которая черная. «Неудивительно, что она такая темная, тлеющая синяя!
Искусствовед Адриан Сирл из Хранитель не очень благосклонно относился к картинам Херста:

"В худшем случае рисунок Херста выглядит дилетантским и юношеским. Его манере письма не хватает той яркости и щегольства, которые заставляют поверить в ложь художника. Он еще не может унести это ".²

<sub>Источник:
1 Хёрст отказывается от маринованных животных, BBC News, 1 октября 2009 г.
2. "Картины Дэмиена Херста смертельно скучны, "Адриан Сирл, Хранитель, 14 октября 2009 г.</sub>

Известные художники: Энтони Гормли

Энтони Гормли - британский художник, возможно, наиболее известный своей скульптурой «Ангел Севера», представленной в 1998 году. Он стоит в Тайнсайде, на северо-востоке Англии, на месте, которое когда-то было шахтой, приветствуя вас своими крыльями шириной 54 метра.
В июле 2009 года во время инсталляции Гормли на Четвертом постаменте на Трафальгарской площади в Лондоне доброволец стоял на постаменте в течение часа, 24 часа в сутки, в течение 100 дней. В отличие от других постаментов на Трафальгарской площади, на четвертом постаменте непосредственно за пределами Национальной галереи нет постоянной статуи. Некоторые участники сами были художниками и зарисовали свою необычную точку зрения (фото).
Энтони Гормли родился в 1950 году в Лондоне. Он учился в различных колледжах Великобритании и учился буддизму в Индии и Шри-Ланке, прежде чем сосредоточиться на скульптуре в Школе искусств Слейда в Лондоне в период с 1977 по 1979 год. Его первая персональная выставка была в Художественной галерее Уайтчепел в 1981 году. В 1994 году Гормли получил премию Тернера за свое «Поле для Британских островов».
Его биография на его Веб-сайт говорит:

... Энтони Гормли оживил человеческий образ в скульптуре посредством радикального исследования тела как места памяти и трансформации, используя собственное тело как предмет, инструмент и материал. С 1990 года он расширил свою озабоченность состоянием человека, исследуя коллективное тело и отношения между собой и другими в крупномасштабных инсталляциях ...

Гормли создает не такую ​​фигуру, как он, потому что не умеет делать статуи в традиционном стиле. Скорее он получает удовольствие от различий и способности, которую они дают нам интерпретировать их. В интервью с Времена¹, он сказал:

"Традиционные статуи не о потенциале, а о том, что уже завершено. У них есть моральный авторитет, который скорее угнетает, чем сотрудничает. Мои работы признают их пустоту ».

^{Источник:
Энтони Гормли, Человек, который сломал форму, Джон-Пол Флинтофф, The Times, 2 марта 2008 г.}

Известные современные британские художники

Слева направо: художники Боб и Роберта Смит, Билл Вудроу, Паула Рего, Майкл Крейг-Мартин, Мэгги Хэмблинг, Брайан Кларк, Кэти де Монсо, Том Филлипс, Бен Джонсон, Том Хантер, Питер Блейк, и Элисон Ватт.
Поводом стал просмотр картины. Диана и Актеон Тициана (не показано, слева) в Национальной галерее в Лондоне с целью сбора средств для покупки картины для галереи.

Известные артисты: Ли Краснер и Джексон Поллок.

Из этих двух художников Джексон Поллок более известен, чем Ли Краснер, но без ее поддержки и продвижения его работ, ему вполне может не хватить места в хронологии искусства, которое он занимает. Оба написаны в абстрактном экспрессионистском стиле. Краснер боролась за признание критиков сама по себе, а не просто считалась женой Поллока. Краснер оставил наследство, чтобы установить Фонд Поллока-Краснера, который предоставляет гранты визуальным художникам.

Лестничный мольберт Louis Aston Knight

Луи Астон Найт (1873-1948) был американским художником из Парижа, известным своими пейзажными картинами. Первоначально он обучался у своего отца-художника Дэниела Риджуэя Найта. Он впервые выставился во Французском салоне в 1894 году и продолжал делать это на протяжении всей своей жизни, а также получил признание в Америке. Его картина Послесвечение был приобретен в 1922 году президентом США Уорреном Хардингом для Белого дома.
Это фото из Архивы американского искусства, к сожалению, не дает нам места, но вы должны думать, что любой художник, готовый пробраться в вода с его мольбертом и красками была либо очень посвящена наблюдению за природой, либо совершенно шоумен.

1897: Женский художественный класс

Это фото 1897 г. Архивы американского искусства показывает женский художественный класс с инструктором Уильямом Мерриттом Чейзом. В то время мужчины и женщины посещали художественные классы по отдельности, где в силу времени женщинам посчастливилось вообще получить художественное образование.

Летняя школа искусств 1900 г.

Студенты-художники летних классов Школы изящных искусств Святого Павла в Мендоте, штат Миннесота, были сфотографированы в 1900 году с учителем Бертом Харвудом.
Помимо моды, большие шляпы от солнца очень практичны для живопись на открытом воздухе так как он защищает глаза от солнца и защищает лицо от солнечных ожогов (как и топ с длинными рукавами).

«Корабль Нельсона в бутылке» - Йинка Шонибар

Иногда драматическое воздействие оказывает масштаб произведения искусства, гораздо больший, чем сам предмет. «Корабль Нельсона в бутылке» Инки Шонибар - такая вещь.

«Корабль Нельсона в бутылке» Йинки Шонибар - это корабль высотой 2,35 метра внутри еще более высокой бутылки. Это копия флагмана вице-адмирала Нельсона HMS в масштабе 1:29. Победа.
«Корабль Нельсона в бутылке» появился на четвертом постаменте Трафальгарской площади в Лондоне 24 мая 2010 года. Четвертый постамент пустовал с 1841 по 1999 год, когда это были первые произведения современного искусства, созданные специально для постамента. Группа ввода в эксплуатацию четвертого цоколя.
Произведение искусства перед «Кораблем Нельсона в бутылке» было «One & Other» Энтони Гормли, в котором другой человек стоял на постаменте в течение часа, круглосуточно, в течение 100 дней.
С 2005 по 2007 год можно было увидеть скульптуру Марка Куинна, Элисон Лаппер беременна, а с ноября 2007 года это была модель отеля 2007 Томаса Шютте.
Батик на парусах «Корабля Нельсона в бутылке» был отпечатан вручную художником на холсте, вдохновленный тканью из Африки и ее историей. Бутылка размером 5x2,8 метра сделана из плексигласа, а не из стекла, и отверстие для бутылки достаточно велико, чтобы залезть внутрь и построить корабль.