Частью радости живописи в 21 веке является широкий спектр доступных форм выражения. В конце 19 и 20 веков художники совершали огромные скачки в стилях живописи. На многие из этих нововведений повлияли технологические достижения, такие как изобретение металлической краски для краски и эволюция фотографияа также изменения в социальных условностях, политике и философии наряду с мировыми событиями.
Этот список описывает семь основных стилей искусства (иногда их называют «школами» или «движениями»), некоторые из которых гораздо более реалистичны, чем другие. Хотя вы не будете частью оригинального движения - группы художников, которые обычно разделяют рисовать стиль и идеи в течение определенного периода истории - вы все еще можете рисовать в стилях, которые они использовали. Узнав об этих стилях и увидев, что художники, работающие в них, создали, а затем экспериментируя с разными подходами, вы сможете начать развивать и развивать свой собственный стиль.
Реализм, в котором предмет картины очень похож на реальную вещь, а не стилизован или абстрагирован, это стиль, который многие думают как «настоящее искусство». Только при внимательном рассмотрении то, что кажется сплошным цветом, проявляется в виде серии мазков разного цвета и ценности.
Реализм был доминирующим стилем живописи с Ренессанс. Художник использует перспективу, чтобы создать иллюзию пространства и глубины, настраивая композицию и освещение так, чтобы объект казался реальным. Леонардо да Винчи "Мона Лиза"является классическим примером стиля.
Стиль Painterly появился как Индустриальная революция охватил Европу в первой половине 19 века. Освободившись от изобретения металлической трубки для краски, которая позволила художникам выйти за пределы студии, художники начали концентрироваться на самой живописи. Темы были представлены реалистично, однако художники не пытались скрыть свою техническую работу.
Как следует из названия, акцент делается на акт живописи: характер кисти и сами пигменты. Художники, работающие в этом стиле, не пытаются скрыть то, что использовалось для создания картины, сглаживая текстуру или следы, оставленные в краске, с помощью кисти или другого инструмента, такого как шпатель. Картины Анри Матисс отличные примеры этого стиля.
Импрессионизм возник в 1880-х годах в Европе, где такие художники, как Клод Моне, стремились уловить свет не деталями реализма, а жестами и иллюзиями. Вам не нужно подходить слишком близко к водяным лилиям Моне или подсолнухам Винсента Ван Гога, чтобы увидеть смелые цветные штрихи, однако нет никаких сомнений в том, на что вы смотрите.
Объекты сохраняют свой реалистичный внешний вид, но в то же время обладают вибрацией, уникальной для этого стиля. Трудно поверить, что когда импрессионисты впервые демонстрировали свои работы, большинство критиков ненавидели и высмеивали его. То, что тогда считалось незаконченным и грубым стилем живописи, теперь любимо и почитаемо.
Экспрессионизм и фовизм Сходные стили, которые начали появляться в студиях и галереях на рубеже 20-го века. Для обоих характерно использование смелых, нереальных цветов, выбранных не для того, чтобы изобразить жизнь такой, какой она есть, а скорее так, как она чувствует или кажется художнику.
Два стиля отличаются в некоторых отношениях. Экспрессионисты, в том числе Эдвард Мунк, стремились передать гротеск и ужас в повседневной жизни, часто с гипер-стилизованной кистью и ужасными изображениями, такими, какие он использовал в своих картина "Крик."
Фовисты, несмотря на свое новое использование цвета, стремились создать композиции, изображающие жизнь в идеализированной или экзотической природе. Подумайте о резвящихся танцах Анри Матисса или пасторальных сценах Джорджа Брака.
В первые десятилетия XX века в Европе и Америке живопись стала менее реалистичной. Абстракция - это рисование сущности предмета в том виде, в котором ее интерпретирует художник, а не видимых деталей. Художник может уменьшить предмет до его доминирующих цветов, форм или узоров, как Пабло Пикассо сделал со своей знаменитой росписью трех музыкантов. Исполнители, все острые линии и углы, не выглядят ни в коем случае не настоящими, но никто не сомневается, кто они.
Или художник может удалить предмет из контекста или увеличить его масштаб, как это сделала Джорджия О'Киф в своей работе. Ее цветы и раковины, лишенные мелких деталей и плавающие на абстрактном фоне, могут напоминать мечтательные пейзажи.
Чисто абстрактная работа, как и большая часть абстрактного экспрессионистского движения 1950-х годов, активно избегает реализма, упиваясь объятиями субъективного. Предмет или точка картины - используемые цвета, текстуры в художественных работах и материалах, использованных для его создания.
Капельное полотно Джексона Поллока может показаться кому-то гигантским беспорядком, но нет никаких сомнений что фрески типа «Номер 1 (Лавандовый туман)» имеют динамическое, кинетическое качество, которое держит ваш интерес. Другие художники-абстракционисты, такие как Марк Ротко, сами упростили тему цветов. Работы цветового поля, такие как его работа 1961 года «Оранжевый, красный и желтый», - это всего лишь три блока пигмента, в которых вы можете потерять себя.
Фотореализм развился в конце 1960-х и 70-х годах в ответ на абстрактный экспрессионизм, который доминировал в искусстве с 1940-х годов. Этот стиль часто кажется более реальным, чем реальность, где не пропущены детали и нет недостатков.
Некоторые художники копируют фотографии, проецируя их на холст, чтобы точно захватить точные детали. Другие делают это от руки или используют сетку, чтобы увеличить отпечаток или фотографию. Одним из самых известных фотореалистичных художников является Чак Клоуз, чьи снимки в стиле фрески, сделанные коллегами-художниками и знаменитостями, основаны на снимках.